彭派新闻记者皇冠

进入8月，北京画廊今年第二波神殿接连爆出。各画廊展览主题和作品中有很多名家的作品和手稿，包括对2020和传染病的反思、为不确定的未来创作续写、陈独秀、尚玉、关良等。

彭派新闻(WHO)尘封70年，王济源陈章权页《上玉巴黎概念》的首次出现特别引人注目，书页上包含了上玉在20 ~ 40年代创作的16幅纸质作品、朋友邵美画像、《曲腿裸女》等多幅油画的先声作品。

上房《曲腿裸女》

《上屋巴黎概念》:先锋艺术家纸质作品首次登场。

最近，在华艺国际(北京)第一季艺电中，尘封90年来首次出现王济源陈章权页面“上玉巴黎概念”，引起了人们的关注。“上玉巴黎概念”这个名字来自画家的一句话。“我的生活中什么都没有。我只是个画家。我认为没有必要对我的作品做任何解释。看我的作品的时候，要清楚地理解我想表达的内容。只是一个简单的概念。”

上屋巴黎概念——王济源陈章权页

王济源镇张玉在20世纪20-40年代左右创作的16幅纸质作品全部首次在国内亮相，其中极为罕见的上玉画朋友画像《邵洵美》、《曲腿裸女》 《裸女坐像》 《幽蓝明菊》“很多人可能认为油画是成品，纸质本作品只是草稿，但对于尚玉来说不是。在线条和笔墨的表现上，油画层重叠的材料性比纸本作要光滑、不直接。尚玉的素描和水彩画可以毫无保留地释放他东方笔墨的魅力。此次北京精品展览会将于本月19日之前在深圳等地举行巡回展览，并将于9月中旬在上海展出。黄峥说，彭派新闻记者昌玉与上海的缘分不可小觑。“他上了上海美术专门学校，之后去了日本，到法国的都是上海去的。王济源对中国早期水彩画做出了很多贡献，曾担任上海美专教授和教务长12年，两人的关系也可以说是老师和朋友。另外，王济源是“结晶乱史”绘画会的成员。这幅画是一派唯一、一派流派的流派，其中方勋、张悬都受到上玉的很大影响，方勋后来在回忆录中多次提到上玉。例如，昌玉在巴黎的时候，提议去大草歌艺术学院(Acad mie de Lagrande Chande)。

上房，《阅读的女士》

“尚玉和很多画家都有过遗种，和上海很多文化名人也有交集。尚玉画的徐志摩肖像画是去年通过花艺拍摄的，成交价为195.5万韩元，创下了尚玉智水墨作品记录。当时是王济源给徐志摩带来的，结果没人看见，徐志摩乘坐的飞机撞上了山，出了事故。这次展品中也有一副尚玉所画的小米肖像画。邵来两人都是诗人和“新月派”的代表人物。大家在一个圈子里互相熟悉，互相欣赏。否则尚玉也不会为他们画肖像。牛见美是国内传达当时住在法国上宅的艺术作品的中坚力量。1929年3月，他在《金屋》月刊上写了介绍上玉艺术的全文《近代艺术界中的宝贝》，并配有上玉30年代著名油画作品《花毯上的侧卧裸女》的小画。徐志摩也有一篇题为《老师，你见过艳丽的肉没有？》的上玉的文章，特别适合徐志摩。”黄峥说。

上房，《邵洵美》

1948年尚玉从法国去美国，在纽约住了两年。“他当时可能住在王济源的家里。因为和朋友通信时提到住在“王老师”家，并明确地写下了街道地址。我们现在还找到了王济源同一时期在纽约举行展览的邀请函，贷款地址也在这里。对此，据推测，这些纸质本作品正是那时留在王济源家的。但具体是上玉油赠送王室，还是王济源自己买的，不得而知。苏见美的画像被推测为王济源之前的收藏品，他后来把这些作品一起放在精美的书页里。这次展品还包括尚玉的手提包，这种个人物品放在王济源家里也能看出他在王家生生活过。”

常玉，《白瓶海芋》

“天官赐福”是常玉非常喜爱的印章，印章中天官怀揣的象牙笏板上写着“常玉”二字。这枚印章出现在此次多幅展品上，在《白瓶海芋》上，他甚至直接把印章盖在了瓶身上。“这幅画里，花瓶身上有铜钱，本身又是插花，再加上‘常玉’两个字，我们干脆叫它‘常有钱花’。”玩笑归玩笑，常玉中年起便生活凄苦，从一个从车马轻裘、醇酒美人的贵公子，转为穷困潦倒的失意画家，最后煤气中毒意外身亡，与他现在作品动辄拍出天价恰成反讽，终究没有跳出艺术家死后哀荣备至的魔咒。

常玉用过的手提包

此次常玉的手提包展品，搭扣上刻有“TOKYO”的 LOGO。应为他1918 年在日本时期所购，为当时较为高档的定制手提包，皮质内衬可见“Sanyu”（常玉英文签名）字样。1930 年代常玉家道中落，他在巴黎自然也就断了家中的供养，这个原本十分高档精致的手提包，逐渐出现了多处修补痕迹——一如他的主人一样，经历了跌宕起伏的一生。

红砖美术馆“2020+”展览中一起观看展厅墙壁上威斯坦·休·奥登诗作《美术馆》（查良铮译）的情侣。澎湃新闻记者 王诤 图

“2020+”：“正常状态和紧急状态之间清晰的边界区域消失了”

红砖美术馆前不久推出年度第二个展览“2020+”。展览海报底色为黑，硕大的灰盘居中，“2020”被一条橙色的宽带串过，让人联想到疫情期间的隔离带，抑或是被涂改液遮蔽的痕迹。而“+”号则既让人联想到医疗救助标志，也昭示了艺术创作的继续。策展人、红砖美术馆馆长闫士杰在前言中写道：“‘2020+’并不只是一场展览的主题，它意味着一种不确定的未来，一种‘真正紧急的状态’，以及习以为常的（包括当代艺术的）旧语言的失效和多种可能性的诞生。”“这次疫情某种程度上就像是一场大战，我们在享受地球村便捷同时，也面临着疫情传播的迅猛和不可控，2020会成为一座时间的界碑。‘+’也象征着人们正处在一个十字路口，但我们相信更完善、更理性的机制终会到来。”他告诉澎湃新闻记者。

“2020＋”展览海报

“2020＋”是由陈劭雄、陈箴、奥拉维尔·埃利亚松、洪浩、黄永砅、梁绍基、林天苗、安·罗夏、瑞秋·罗斯、安利·萨拉、宋冬、陶辉、王功新、杨振中、尹秀珍组成的群展，涵盖影像、装置、参与行为装置等，通过线上线下等不同媒介呈现出15位艺术家独到的思考与行动。安利·萨拉（Anri Sala）的《当且仅当》是一件影像作品，视频中一只蜗牛缓缓从中提琴琴弓的一端爬向另一端，那比琴弓往复还要迟缓的步调反而成了这场表演的主角。而伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的“中提琴独奏悲歌”在音乐家与庭院蜗牛之间产生的触觉互动中被颠覆，演奏以近乎平日两倍的时长结束。

安利·萨拉，《当且仅当》（录像静帧），2018；单声道高清录像，独立4.0环绕声系统，彩色，9’47；’© 安利·萨拉，波恩VG图像-艺术；图片由玛丽安·古德曼画廊（纽约、巴黎、伦敦）和桑塔画廊（巴黎）提供

林天苗的作品《缠的扩散》选择使用了缝麻袋的工业用针(长度 15cm)，像刀子一样锋利的针，可对人造成直接的伤害。但当两三万根针，针尖向上，被密密麻麻地直立排列在一起时，针的视觉效果却变得像皮毛一样柔软，完全失去了原有的攻击性。而棉球柔软无攻击性，随着数量的增加，棉球的扩张性和进攻性也急剧增强着。影像的介入是直觉的选择，手在不断单纯重复缠绕着棉球的行为，既挑战着观众的忍耐力，又让作品具有活着感觉。

林天苗，《缠的扩散》，综合材料，1995 ；© 林天苗 红砖美术馆展览现场；图片由红砖美术馆提供

尤为值得一提的是，此次红砖美术馆主展厅布置一新，此处展出的三件作品《水晶体内景观》、《羊祸》、《集体记忆—纽约新当代艺术博物馆》，分别对应的三位艺术家陈箴、黄永砅、陈劭雄均已过世。“此时此刻，我回想起90年代和陈箴、永砅、陈劭雄在一起做展览的情境，陈箴很多年前先走了，黄永砅当时纪念陈箴写过一句话‘只要我们想起他，提到他，他就在。’永砅去年离开了我们，我把永砅的这段话发出来纪念永砅。今天还能和他们一起展览，我就觉得他的精神在，他本人就在。”艺术家王功新回忆说，此次展览也展出了他26年前的作品《对话》。

黄永砅，《羊祸》，1997，牛皮、羊皮、竹、木、铁，尺寸可变；摄影：邢宇 © 黄永砅； 红砖美术馆展览现场；图片由红砖美术馆提供

王功新，《对话》，1995，桌子、铁容器、灯泡、马达、墨水，300x100x89cm；© 王功新，红砖美术馆展览现场，图片由红砖美术馆提供

清华大学首批资深文科教授，中文系、历史系双聘博士导师汪晖，担纲此次展览的学术顾问。7月31日的媒体发布会上，在云南田野调查的他特为连线发表现场演说，“这一次的危机和以往的危机不同，以往的危机多半是以一个危机为中心，金融危机等等，这次是经济的危机、政治的危机、军事的危机、生态的危机与瘟疫的流行相互纠缠，将尚未脱离社交隔离的人类社会引入更为危险和更不确定的时代，它的特征是正常状态和紧急状态之间清晰的边界区域消失了。”另据悉，本次展期将持续至10月18日。

“金汤”：拉开“北京当代·艺术展”2020帷幕

自2018年举行首届“北京当代·艺术展”以来，每年这一展览都放在北京农展馆举行。受疫情影响，8月7日“金汤”艺术展作为该展先亮相的单元，在三里屯CHAO 27层Top House正式拉开帷幕。“金汤”艺术展汇聚了中外35位艺术家的五十余件作品，囊括了装置、影像、表演、绘画、摄影等不同的艺术媒介与形态。策展人杨紫告诉澎湃新闻记者“金汤”的展名固然令人想到中国成语，但他其实是受到镀金过程中那一汪“金水”的启发。非常值得一提的是就在开展当周，全球黄金价格突破近十年历史最高点，无疑让展览本身更充满了话题性。

“金汤” 北京当代·艺术展2020艺述单元 海报

“1840年，美洲淘金热的前些年，英国伯明翰的乔治·埃尔金顿发明了电镀金。自此之后，金色以极低的成本被大量生产，日益廉价。这并不妨碍1844年的一天，阿尔伯特亲王莅临埃尔金顿的工厂参观。众目睽睽下，工厂主亲手将一支红玫瑰浸入棕色液体里，启动机器。亲王等着，人们等着，时间好像被柔韧地拉长。玫瑰捞起。一道金光引发掌声。骚动之后，人们定住，又看玫瑰。没拂拭掉的蜘蛛网也被镀成金线。即便电镀金价值卑微，金色依旧引人入胜。金色能指向原始的欲望，它是一种古老的迷幻术。”杨紫说。

吴达新，《麒麟》，2020，不锈钢、陶瓷、汉白玉 正身 195×90×44 cm

珂勒惠支，《碾死》，1910，铜板蚀刻版画，25×31.8 cm

此次参展的作品创作时间跨度超过一百年，既有20世纪早期的创作，如珂勒惠支的版画、张光宇的漫画，也有大量专门为本次展览创作的全新作品，如吴达新、李维伊的装置。在展览现场，由德化白瓷形成鳞片、电镀不锈钢构成皮肤的作品《麒麟》，是吴达新对中国民间美术的现代性转换，而另一件作品，李维伊把繁体“梦”字放大成近三米，悬挂于空间中，让观众从镜面反射中窥见自己的倒影……这些作品从对生死、信仰、神话与精神的形而上探讨，到对身体、世俗的享乐和炫耀，再到对图像史、文化史的追溯与钩沉，至对当代社会的浮华视觉与其背后生产、消费、资本与金融的沉思，展览中的金呈现出了艺术在历史文化经验与当下敏感性之间的多维张力。

李维伊，《梦》，2020，钢，200×257 cm

杨紫认为在2020年这一历史关键时刻，“这些为‘金’的意象提供了丰富角度的作品，在美学上为中国几十年来经济快速腾飞的时代做出了一个散文化的总结。”站在CHAO 27层的展览现场，向下望去便能看到见证新中国体育史的工人体育场此刻正在被拆除，而改造后的工人体育场将保持主体椭圆形造型基本不变，保持外立面形式和比例基本不变，恢复庄重典雅的建筑风格——拆除现场扬尘与展览现场的“金光闪闪”恰为呼应，令人在观展之余若有所思。另据悉，“金汤”艺术展将持续至9月6日，而从8月盛夏直到10月中秋，“北京当代”将陆续发布其他的单元。

伊丽莎白·佩顿“练习”：画默克尔总理，也画过《暮光之城》

北京UCCA尤伦斯当代艺术中心今年五月曾举办年度首展“紧急中的沉思”，该展展期将至8月30日。15日当天，前展未撤，新展又至——当代绘画领军人物伊丽莎白·佩顿中国首展如期举行。自上世纪九十年代，伊丽莎白·佩顿（生于1965年，美国康尼狄克州）一直处于复兴具象绘画和拓宽肖像绘画传统和概念的前沿。作为其在中国的首次个展，本次展览囊括佩顿过去三十年创作的一系列素描、绘画和版画作品，并重点关注其最近十年的创作。佩顿的作品题材广泛，其创作对象涵盖了艺术同行、生活中的亲密友人，以及历史文化人物。

美国版《VOUGE》杂志要做德国总理安格拉·默克尔的报道，找不到合适的照片，索性请佩顿创作了一副肖像画。

伊丽莎白·佩顿个展海报

在新闻发布会上，UCCA 馆长田霏宇介绍说佩顿之前曾来过北京，住在颐和园那边，“此次受疫情影响，艺术家不能来中国，但是她的作品可以来。展览标题 ‘练习’在英文里有几层含义，一个是我们海报上节选的作品标题，也叫‘Practice（Yuzuru Hanyu）’。艺术媒体可能都知道，我们通常指涉的‘Practice’是指某人的一个实践或者一种做法，带有她自我意识形态的一个表达：她希望通过艺术实现什么，她的看法是什么，她怎么表态。这词还有另外一层意义就是‘练习’，像弹古琴、弹钢琴等等，需要高度技巧上的训练。佩顿是把这两样东西想到一起了。”

本次展览策展人栾诗璇介绍说：“（这些）作品从纽约和伦敦来到北京，飞机被取消了三次，所有我们选中的作品最后呈现在这个展厅里面让大家看，是一个非常不容易的过程。相信此刻各位可以感受到佩顿是一个非常浪漫、很直觉化的人，她的作品不能简单用肖像或者具像这种比较狭义的概念定义。她自己也不希望大家用这种方式去定义她，她觉得自己只是一个画家，绘制对象是人而已。”

伊丽莎白·佩顿，《拿破仑》，1991，纸上炭笔，42 × 29.6 cm

栾诗璇介绍说这次展览展出 40幅左右的作品，其中 28幅来自于英国国家肖像美术馆。在进入展厅后的显耀位置，是佩顿早期代表作《拿破仑》——画中年轻的拿破仑从容地望向远方，而世界也仿佛回映在画中人目光之内。“这张小素描标志着她整个创作生涯的开端，也是通过这一幅作品，选择了她现在的创作路径和今后的方向，她坚持这样做了 30年。这幅作品她临摹了由画家安托万·让·格罗为文森特·克罗宁所著拿破仑传记而创作的封面。据艺术家说，这本书改变了她一生，通过阅读这本书，然后画这个人。她第一次意识到人其实是正在发生一切的载体，这些历史文化人物都是他们所处时代的变化缩影，她决定开始通过肖像来探索这些人，包括他们所在的时代。” 栾诗璇说。

伊丽莎白·佩顿，《两位女子（临库尔贝）》，2016，板上油彩，36.5× 28.6 cm

在展厅另一处空间，观众可以看到佩顿画的一些著名音乐人，“佩顿年少时就听摇滚乐，所以音乐尤其是朋克乐对她来说，无论是个人还是创作都有很重要的影响。摇滚乐具有超验性的体验，她希望通过描绘这些人，探索为什么他们其实从表面上看，就是内心受到困扰的一群年轻人，但他们通过自己的表达和创作才华，变成可以通过音乐改变世界的表演者和创作者，这对她来说是一个很了不起的事情。” 栾诗璇介绍说，佩顿经常从喜欢的古典绘画大师作品中获得一些创作灵感，“但她不是纯粹临摹或模仿，因为她会从画面中选取或截取她觉得最有趣或者最有挑战性或者是她最想要、最喜欢的局部进行创作。比如她临摹过库尔贝的《两位女子》，也画过大众尤其是年轻观众非常喜欢的电影《暮光之城》。” 伊丽莎白·佩顿在中国的首次个展将持续至11月29日。

伊丽莎白·佩顿，《暮光之城》，2009，板上油彩，23.5 × 31.1 cm

责任编辑：黄松

校对：丁晓